“Tio Vanyo” de AP Chekhov, adaptado por Simon Stevens, dirigido por Sam Yates, cenografia de Rosanna Wise, estrelado por Andrew Scott. A apresentação foi gravada no palco do Teatro do Duque de York, Londres. Exibições nos dias 13, 15 e 26 de junho, 3 e 6 de julho na programação do World Theatre de Sófia

Sam Yates dirigiu e criou VAnya – adaptado por Simon Stevens, estrelado por Andrew Scott. A produção foi premiada Oliver de melhor adaptação, e o ator Andrew Scott, conhecido em nosso país principalmente por seus papéis no cinema, é o primeiro ator a ganhar os prêmios da crítica de cinema e teatro no Reino Unido no mesmo ano. Sam Yates é um aclamado e premiado diretor de teatro e cinema. A produção é uma versão modernizada da peça “Tio Vanyo” de Chekhov – os nomes dos personagens foram alterados do russo para o inglês: Ivan, Michael, Helena, Elizabeth, etc., e a ação se passa hoje. A adaptação segue o enredo do original – o triângulo amoroso (aqui entre Helena, Alexander, Michael e Sonya) e a venda da mansão, embora também haja desvios e acréscimos na trama. São abordados temas como a relação entre o homem e a natureza, a vida perdida e como viver verdadeiramente, o colapso das esperanças, o amor não correspondido e impossível.

Externamente, a ação é câmara – como se todas as cenas estivessem na mesma sala. O cenário é bastante comum – uma pia, uma mesa com duas cadeiras, um balanço suspenso, um piano, uma parede posterior de espelhos cobertos por cortinas, uma porta. É esta porta que desempenha um papel importante na performance – todos os personagens entram e saem por ela. A grande surpresa é que todos eles são interpretados por Andrew Scott em incríveis duas horas de duração. show de um homem! Vestido casualmente, com calçado desportivo, sozinho no palco, sem efeitos externos e sem mudar de roupa e aparência, conseguiu materializar e dar vida em palco sete personagens de ambos os sexos, de idades diferentes, com personagens individuais! Cada um deles fala com timbre, altura, ritmo e sotaque diferentes, tem expressões faciais, gestos, marcha e postura corporal próprias. Andrew Scott interpreta cada um dos personagens de forma completamente convincente, sendo duas personalidades diferentes ao mesmo tempo nas cenas de diálogo, conseguindo até recriar os dois lados do ato sexual entre Michael e Helena ao mesmo tempo, assim como Ivan, que os encontra Fazendo. A capacidade de Scott de mudar caráter, idade, sexo e estado emocional em segundos parece sobre-humana. Tecnicamente falando, a performance é um show de um homem só, mas a impressão é que sete personagens diferentes estão atuando no palco. Sua atuação encanta a tal ponto que o espectador esquece que está observando uma pessoa – cada uma de suas encarnações é completamente real e convincente até o último detalhe: a expressão nos olhos, as lágrimas reais, o sorriso, os gestos, o tremor de o queixo. Isso requer uma memória incrível, concentração e domínio perfeito da voz, do corpo e das emoções. Ele não finge ou finge, mas realmente Bem uma pessoa diferente em cada momento subsequente. Parece impossível que alguém consiga conciliar tantos e diferentes personagens que passam por desenvolvimento e gradação no decorrer da ação, mas ele consegue, e é extremamente genuíno na transmissão de todos os sentimentos. Um homem musculoso falando com a voz de uma jovem ou de uma velha soaria artificial, falso e falso, mas Scott não. Cada nuance e mudança na ação e no caráter é representada com a máxima precisão e verdade. A sua atuação é uma demonstração por excelência do que o ator virtuoso é capaz.

A orientação para a ação e quem está falando no momento apropriado depende um pouco do conhecimento prévio da peça de Chekhov. Além da mudança nas ferramentas de atuação e no comportamento, o diretor deixou duas dicas que ajudam a identificar cada um dos personagens – uma são as entradas e saídas pela porta do palco, que são alguns segundos de transição do ator de uma imagem para outra. outro. Além disso, cada um dos personagens tem seu detalhe externo característico – os óculos escuros de Ivan, a brincadeira de Helena com a corrente no pescoço, a toalha vermelha de Sonya nas mãos, etc.

O ator consegue captar a atenção do público desde o primeiro momento de sua aparição no palco e controlar suas emoções até o final da apresentação. A dinâmica da ação é tão lida que nela há reviravoltas inesperadas, alternância de emoções trágicas e lágrimas com momentos cômicos que provocam risos espontâneos. A regra teatral de Chekhov é bem conhecida: se uma arma estiver pendurada no palco no primeiro ato, ela deverá explodir no final da apresentação. A arma em “Vanya” não fica pendurada no palco, mas dispara duas vezes, provocando um dos muitos momentos simultaneamente cômicos e dramáticos – Ivan lamentando ter atirado duas vezes em Alexander e ter errado as duas. Provavelmente seguindo a regra da espingarda, o piano no palco no final da apresentação toca sozinho, e o reflexo no espelho na parede do fundo transforma Ivan sentado em frente ao piano em duas pessoas.

Uma pessoa acaba por ser suficiente para preencher todo o espaço do palco com a sua presença e ser múltiplas personalidades ao mesmo tempo. Esse feito é ainda mais impressionante considerando que o ator é capaz de repeti-lo com a mesma intensidade noite após noite.

Vale destacar também a maestria do videodesigner da gravação do filme Jack Phelan, que altera habilmente os planos gerais da cena, filmada à distância, com a aproximação máxima da câmera ao rosto do ator, mostrando as lágrimas. , o levantar das sobrancelhas, a contração dos lábios em detalhes.

“Vanya” é a personificação da magia do teatro, o que o torna uma arte única – o contato entre ator e público, que leva à empatia compartilhada e à ressonância emocional. O ator se conecta energética e emocionalmente com o público em um nível muito profundo, e sem efeitos técnicos, telas, cenários, figurinos, maquiagem ou uma história chocante, todos se vêem atraídos para um momento único de humanidade compartilhada.

Mesmo o fato de a performance ser gravada não distancia o público da Casa do Cinema. A aura de Scott e a sua atuação impressionante transcendem a mediação técnica, as diferenças culturais, a distância temporal e geográfica – como evidenciado pelos aplausos espontâneos de gratidão e empatia das pessoas no cinema, juntamente com a ovação do público de pé na gravação da performance ao vivo. Os espectadores estavam fisicamente separados do público inglês, mas ao mesmo tempo ligados por uma aura comum de algo belo, real e humano.