A ópera de câmara “Sonata de Setembro” de Manfred Troyan no palco de Alemão Ópera sou Reno em Düsseldorf

Concentrar-se no mundo mental do homem tem sido uma das qualidades mais atraentes do gênero ópera ao longo dos tempos. A partir do Orfeu de Monteverdi, os fios do tempo tecem as imagens trágicas de Verdi e Wagner, Mussorgsky e Tchaikovsky, Debussy, Schoenberg e Berg. A música penetra cada vez mais fundo nas profundezas da alma, iluminando até os cantos mais sombrios dos quais o indivíduo tem medo e deseja conscientemente escapar. A síndrome de Lady Macbeth lavando as mãos durante o sono por causa do sangue derramado, que Verdi revela com uma verdade tão horrível em seu famoso monólogo, é familiar a todos os amantes da ópera. Nas últimas décadas do século passado, a ópera parece tornar-se cada vez mais uma ferramenta para penetrar no microcosmo humano e para revelar os processos indescritíveis que nele ocorrem.

Em sua nova quinta ópera, Sonata de Setembro, baseada na história de Henry James (1843–1916) O Alegre Canto (1908) o famoso compositor de Dusseldorf Manfred Troyan (1949) coloca no centro da ação o drama de um próspero escritor americano. Tendo deixado a sua terra natal, a sua casa e os seus pais ricos, ele, após 30 anos a viver em diferentes cantos da Europa, regressa ao lugar de onde partiu em busca do seu passado e da sua identidade. Mas não como Odisseu, esperado por sua amada Penélope, mas para se convencer de que apenas as ruínas das memórias permanecem do passado e que a identidade está perdida há muito tempo.

Este drama combina dois outros psicogramas – um deles é do próprio escritor Henry James: vagando constantemente entre o Velho e o Novo Mundo, ele passou os últimos 30 anos de sua vida em sua nova terra natal, a Inglaterra. A outra pertence ao compositor Manfred Troyan, para quem a pátria está dividida entre dois países – Alemanha e França. Citando Peter Handke, ele diz, não sem tristeza, que aquele que esteve ausente por muito tempo de sua terra natal nunca poderá retornar verdadeiramente a ela.

Este é também o tema da ópera, escrita segundo libreto próprio e definida por Troyan como Kammerspiel (peça de câmara). Quatro atores estão envolvidos – o escritor Osbert Breedon (Holger Falk) e seu alter ego (Roman Khosa), a atriz Alice Staverton (Julianne Banze) e a governanta, Sra. Muldoon (Susan McLane). A eles soma-se a orquestra tratada solisticamente de 15 instrumentistas. A estreia aconteceu no dia 3 de dezembro de 2023 no palco do Alemão Ópera sou Renofoi interpretado de forma convincente pela Orquestra Sinfônica de Düsseldorf sob a direção do maestro Vitaliy Alekseniuk e encenado por Johannes Erath (palco e figurinos de Heike Scheele, efeitos de iluminação de Nicole Hungsberg, vídeo de Bibi Abel).

A ação, distribuída por seis cenas, transita na fronteira entre a realidade e a ilusão, entre a vigília e o sonambulismo, o sonho ou o pesadelo. Na verdade, é difícil falar em ação, porque os acontecimentos acontecem principalmente no subconsciente do protagonista. No palco vazio antes do início da ópera, um homem com uma mala aparece entrando em uma velha casa abandonada. A mobília é coberta por capas cinzentas e esfarrapadas que provavelmente já foram brancas. O espaço é gradualmente preenchido por estranhas escadas em espiral que levam a lugar nenhum, semelhantes aos labirintos de M. Escher. Estes são os labirintos do subconsciente nos quais o personagem principal está enredado.

A única coisa real é o barulho da máquina de escrever na qual o escritor egocêntrico aparentemente compõe seu próximo romance. As conversas ao telefone e o encontro com a sua conhecida de infância (ou amante?) Ellis, que entretanto se tornou uma atriz famosa, e também com a ex-governanta, que apresenta Osbert à casa dos seus pais há muito falecidos, também dizem respeito a realidade.

O que Osbert encontra lá são apenas memórias e ruínas, assombradas por aparições no espírito das boas e antigas tradições inglesas. Em sua busca neurótica por seu passado e sua antiga identidade, ele fica horrorizado ao descobrir seu alter ego: uma grotesca criatura diabólica vestida com sua fantasia, mas usando uma máscara de burro.

A música, sustentada num tom moderadamente moderno (que lembra um pouco a idiomática de R. Strauss), é repleta de suave melancolia, mas também de um eufemismo misterioso, típico do estilo de Henry James. A questão principal em torno da qual giram os diálogos cantilenos e as linhas recitativas dos quatro atores é, na verdade, de natureza conjuntiva. E se o herói não tivesse saído de sua cidade natal? Você se apaixonaria por Alice? Seria diferente hoje? Como seria a vida dele se…?

O mundo mental do homem como objeto de estudo psicanalítico é claramente enfatizado pelas projeções de vídeo em grande escala, trazendo elementos surreais – por exemplo, a enorme e multiplicadora máquina de escrever em diferentes dimensões como símbolo da paixão frenética pela escrita, a imagem multidimensional da amada como uma Marilyn Monroe envelhecida e especialmente a batalha fatídica entre o herói e seu alter ego – dois corpos humanos entrelaçados e autodestrutivos. Este é precisamente o medo de se encontrar e o perigo mortal que ele esconde. Essas imagens desproporcionais contrastam com o mundo da infância representado pelo teatro de bonecos em miniatura e pelo menino que está prestes a seguir o caminho do escritor até que o círculo se feche.

Os pizzicatos dos três violoncelos e das três violas nos momentos cruciais do drama parecem medir as batidas do coração como um dispositivo médico preciso. (Os violinos estão ausentes, dominados pelas cores escuras de um quinteto de flauta, oboé, clarinete, fagote e trompa francesa, apoiados por vários instrumentos adicionais que ampliam o alcance e a cor da orquestra, como harpa, violoncelo e percussão.)

Tanto a atmosfera deprimente da música como toda a realização cênica sugerem a presença inexorável de outro personagem invisível – o tempo com seu poder destrutivo. Mas a ópera também sugere outra coisa – contra a impermanência do mundo material e a fragilidade da existência humana, repleta de sonhos e ambições realizados e não realizados, surge outra força – a da arte e da música. O acorde Dó maior sustentado e iluminado no final da ópera, aparentemente entrando na atemporalidade, prova o milagre da vida.