“A peça de Hanoch Levin, Everyone Wants to Live”, estreará em 19 de abril no Satirical Theatre. Uma conversa com a diretora Elena Panayotova

Elena Panayotova é diretora de teatro e pedagoga, especializada em cultura e história europeia na Universidade de Amsterdã e em antropologia teatral no teatro “Odin” na Dinamarca. Professor de atuação de longa data na Academia de Artes de Utrecht, na Holanda, e no Departamento de Teatro da NBU. Os projetos que dirige na área da arte e da educação envolvem mais de 300 artistas e 5.000 crianças de quatro continentes. Em 2023, a sua exposição fotográfica “Longe de África” ​​foi premiada Plovdiv. Seu livro “Teatro Aplicado” foi publicado recentemente. Teoria e práticas da Bulgária à África”.
No dia 19 de abril estreia sua produção “Everybody Wants to Live” de Hanoch Levin em Satirata, cenografia de Yulian Tabakov, coreografia de Rosen Mihailov, música de Hristo Namliev

O próprio autor de “Everybody Wants to Live”, Hanoch Levin, foi diagnosticado com câncer. Que dilema moral a peça dele atraiu você?

Levine escreveu a peça 15 anos antes de ser diagnosticado com câncer, mas ironicamente morreu com a mesma idade do personagem principal da peça. Levin é um autor extremamente interessante que, além de peças extremamente políticas, também possui um ciclo de peças inspiradas em mitos antigos e textos bíblicos. A peça Todo Mundo Quer Viver é baseada na tragédia Alceste de Eurípides, um antigo mito grego sobre uma jovem esposa disposta a morrer por seu marido herói. Claro, Levine transforma a tragédia em comédia, em que o personagem principal também é colocado na situação de encontrar outro que morra por ele, a fim de adiar a própria morte, e passa por diversas vicissitudes. A linguagem de “Todo mundo quer viver” é extremamente irônica, às vezes vulgar, chegando ao grotesco, colocando questões filosóficas sobre o sentido da vida, sobre a alienação e a falta de empatia na sociedade moderna, bem como sobre o medo constante da morte, que, no entanto, esquecemos constantemente. Levine zomba de seu protagonista, que descobre em sua jornada que toda pessoa, independente de posição social ou etnia, quer viver. Na sociedade moderna, nós, humanos, estamos cada vez mais ocupados numa corrida para adquirir prosperidade material e esquecemos completamente a efemeridade e a impermanência da vida e até começamos a acreditar que a morte pode ser adiada. A peça dá-nos a oportunidade de rir com vontade, como um espelho invertido dos nossos próprios medos, esperanças e ilusões.

O cenógrafo é novamente Julian Tabakov. Ele recria habilmente motivos de contos de fadas. Existem elementos de contos de fadas na peça também?

Sim, de fato, há uma dose de realismo mágico na peça, pois o Anjo da Morte aparece para o personagem principal e algumas negociações acontecem para lhe dar um pouco mais de tempo de vida. Portanto, este mundo do Reino Angélico, bem como o tempo e o lugar vagamente definidos em algumas Idades Médias, dão a oportunidade de libertar a imaginação criativa. E estou muito feliz que Julian e eu estejamos realizando este texto na direção de um ecletismo visual fabuloso e incomum.

A coreografia de Rosen Mihailov e a música de Hristo Namliev sugerem uma produção moderna. Qual foi o principal fator na sua escolha?

Há seis anos que trabalhamos com muito sucesso com Rosen Mihailov, desde “Casamento” de Gogol no Teatro Sofia até à mega-performance “Nome do Xadrez: Conto do Hall”, onde o seu trabalho foi muito estético e emocionante. Em “Todo Mundo Quer Viver”, além de doze atores, estão envolvidos mais dez alunos, e essa quantidade de pessoas necessita de uma orquestração coreográfica precisa. Com Hristo Namliev, este é o terceiro projeto que trabalhamos juntos e, assim que li a peça, tive certeza de que era exatamente do gosto dele. Todos os artistas são extremamente interessantes. Mas na hora de criar uma comédia é muito importante na hora de escolher uma equipe de produção que tenha o mesmo senso de humor ou complementar.

Como os motivos bíblicos se entrelaçam com a modernidade?

Como eu disse acima, Hanoch Levin frequentemente recorre a esses motivos, é claro, e muitos outros autores o fazem para se inspirar e dar sua própria interpretação de mitos bíblicos ou antigos, encontrando seus padrões recorrentes nos tempos modernos. Joseph Campbell acreditava que os mitos foram criados para inspirar pessoas comuns a feitos extraordinários. Os mitos deveriam encorajar o homem a abraçar a aventura e, independentemente dos seus medos, a adquirir sabedoria que lhe permitiria contribuir com algo para a sociedade. Acredito que estudar histórias de ficção, mitos e lendas pode influenciar nossas experiências modernas e nos ajudar a ganhar experiência.

Você compartilha a crença de John Dewey de que todos podem ser artistas e que o impacto da arte inspiraria as pessoas a serem melhores? Quão realista é isso?

Sou um idealista, mas também já sou alguém com muita prática e experiência na aplicação das artes teatrais a diversas comunidades marginalizadas, e compartilho plenamente o que Dewey viu há mais de cem anos. Não creio que nada tenha mudado na natureza humana, e é extremamente importante nos conectarmos com a nossa energia criativa através da qual podemos mudar e criar mundos. A capacidade de imaginar está antes do raciocínio e do conhecimento, é líder, porque através da imaginação damos sentido e moldamos o mundo.

No seu livro “Teatro Aplicado” você nos apresenta as diversas formas de teatro contemporâneo. Mas talvez o mais intrigante seja o teatro na educação. Como isso surge?

O teatro na educação surge e refere-se ao trabalho com arte com crianças no contexto da educação formal. As ideias de psicólogos como Jean Piaget, Paulo Freire e Lev Vygotsky foram incorporadas às metodologias do movimento para esse teatro. A ideia central nestas teorias é que a aprendizagem eficaz depende do envolvimento do aluno na experiência vivida. A comunicação, a escuta das palavras uns dos outros, a aceitação de diferentes pontos de vista, o apoio construtivo, o trabalho em equipa são competências que se cultivam nas crianças através da participação em práticas teatrais. A capacidade de uma pessoa se identificar com os outros permite-lhe ver a diferença em todos, libertar-se do preconceito e aceitar que a diversidade é uma fonte de força no mundo. Esta indefinição e fusão das fronteiras entre o eu e o outro através da representação de papéis provoca a criação de personalidades capazes de compreender, simpatizar e ter empatia.

O movimento pelo teatro na educação abrange outras camadas sociais??

Desempenha um papel especial e os seus princípios orientadores inspiram o surgimento de uma ampla variedade de práticas. E adequado para resumir essas tendências é o termo que apareceu na década de 1990 teatro aplicado, que abrange uma variedade de práticas de participação do público, teatro na educação, teatro na prisão, teatro no desenvolvimento, teatro em museu, teatro para a saúde sexual e muito mais. O termo teatro aplicado confere a esta multiplicidade de práticas homogeneidade e capacidade de serem descritas e ensinadas.

Atuar no teatro clássico é um meio primário de expressão. O que faz o teatro aplicado se destacar?

Os jogos teatrais revelam-se mais do que divertidos, mostram-nos como aprender com e através dos outros e são extremamente construtivos para dar voz aos invisíveis e marginalizados, bem como para ajudar no processo de harmonização da sociedade. O movimento do Teatro Aplicado não só oferece uma oportunidade para explorar a natureza humana a partir de uma perspectiva diferente e repensar as noções de justiça e liberdade, mas também nos desafia a obter uma nova compreensão do papel das artes.

“É “Dom Quixote” ou o teatro na educação pode ser implementado também nas nossas escolas?

O teatro ou teatro na escola é praticado desde o final do século passado em vários países da Europa Ocidental. No início do século XXI, surgiram nas principais universidades do mundo programas de licenciatura e mestrado com as especialidades “Teatro e Educação” e “Teatro Aplicado”, que preparam formadores para diversas áreas da sociedade e especialmente da educação. Na Bulgária, este processo ainda está no início, mas está a ganhar rapidamente impulso, à medida que cada vez mais artistas ingressam nas escolas através de modalidades extracurriculares ou acampamentos infantis. No entanto, acredito que os processos são irreversíveis e irreversíveis. Está comprovado que a aplicação de modelos teatrais no trabalho com crianças e jovens os ajuda a descobrir o seu potencial criativo, a ganhar fé nas suas capacidades e competências para relacionamentos interpessoais harmoniosos, provoca atitudes positivas e autoconfiança. Trabalhar através da arte dá sentido, traz magia e inspiração, e isso dá um sentido especial à vida. Se o Estado aposta no futuro das crianças, então a entrada do teatro na educação é um processo extremamente imperativo e irreversível.