Conversas como as que se ouvem em todas as filas de pensões ou fora da mercearia do bairro; Filosofia de Mahlen, lamentações patéticas, imagens sem volume, clichês de jornal, piadas de segunda mão, folclore urbano… A peça de Stefan Tsanev “Crianças do Mundo” (Teatro Juvenil) funciona como uma máquina do tempo. Com seu enredo e jeito (nem somos poupados: “Quando um de nós morrer, irei morar com minha irmã em Kavarna”), remete 20 anos atrás, quando o teatro ainda não conseguia entender o que estava acontecendo com nós, mas ficamos olhando para o mais óbvio – os dramas domésticos e sociais após as mudanças. Apenas a data – 2011 – e o facto de dois pais idosos comunicarem com os filhos há muito emigrados através do Skype, sugerem a época da sua escrita.

O resto é déjà vu: um professor de literatura despedido e um flautista desgastado da filarmónica transformaram a pousada ancestral da mulher num motel de beira de estrada. Eles contam com a estrada internacional iniciada há vinte anos para um dia chegar até eles, para que fluam rios de euros. Porém, a rodovia, como um Godot, se recusa a aparecer. No final, vai para Kuchi dol, deixando os dois para sempre “na periferia oriental da Europa”, isolados dos filhos afastados e do neto desconhecido. Eles são acompanhados apenas por uma sacerdotisa magistral do amor (uma professora infantil cruel, forçada a se sustentar com a prostituição, mas que por outro lado preservou sua alma sensível – esse clichê gritante simplesmente apaga a imagem). Enquanto esperam a estrada e o retorno insatisfeito dos filhos, envelhecendo diante de nossos olhos, o homem e a mulher continuam conversando sobre os mesmos assuntos que surgem periodicamente em conversas como a raposa “morta” de Radichkov. Só que com Stefan Tsanev isso não tem o frescor de um curioso movimento dramatúrgico, mas induz ao tédio.

A direção de Krasimir Spasov não faz a menor tentativa de arejar a banalidade em “Crianças do Mundo”. Convenientemente escondido atrás da regra de que a primeira produção deve ser o mais fiel possível à peça, ele a lê literalmente, acompanhando os trailers sem murmurar, e com esse desserviço aprofunda ainda mais a sensação de um texto natimorto. A cenografia de Krasimir Vulkanov finalmente coloca o selo “ultrapassado” – tanto significativa quanto visualmente.

Espera-se que, se mais ninguém, pelo menos Dorothea Toncheva (A Mulher) interprete com dedicação e entusiasmo, para animar a peça que lhe é dedicada. Não se fala que uma mulher cansada, desiludida e desiludida deve ser interpretada de forma lânguida, cansada e sem fé na imagem, não é mesmo? Mas sua permanência no espetáculo até o fim permanece completamente rotineira, como que absorvida pela inércia geral. Mesmo os esforços de Stefan Mavrodiev (The Man) para adicionar alguma amplitude à linha de ECG de seu personagem, de outra forma plana, permanecem infrutíferos. De alguma forma, a sua presença febril no palco, a euforia particular na performance não alteram o facto de a imagem ser bidimensional, ou seja, plana. E se alguém quiser ter uma ideia do potencial de atuação de Gergana Hristova (A Sacerdotisa do Amor), o melhor é vê-la novamente no “Aeroporto” no Teatro Juvenil, não aqui.

Contra este pano de fundo “O Último Segredo de Freddy” (Teatro Revival) age como adrenalina. A peça de estreia da jornalista e crítica de teatro Irina Gigova tira os olhos do nosso próprio umbigo e recusa submeter-se ao pensamento provinciano e aos complexos regionais. Encorajada pelas especulações sobre um possível relacionamento entre o vocalista do Queen, Freddie Mercury, e o lendário bailarino Rudolph Nureyev, e motivada por um livro documentário sobre sua correspondência amorosa (declarada, aliás, uma farsa completa por pesquisadores sérios), ela empurrou do fluxo habitual de notícias amarelas e vai para um outro nível. “O Último Segredo de Freddie” é sobre dois emigrantes (o nome de nascimento de Freddie Mercury é Farouk Bulsara, ele vem de uma família iraniana do serviço público britânico; Rudolph Hammett, ou Nureyev, é de origem tártaro-bashkir, dançarino e coreógrafo na União Soviética União e França), cuja fama e sucesso são dados como garantidos, mas na verdade é uma vitória de Pirro. A sua homossexualidade torna-os ainda mais vulneráveis ​​aos meios de comunicação e à sociedade. A peça é sobre o último encontro imaginário deles, quando Freddy já sabe que está infectado com AIDS (Nureev morreu 14 meses depois dele da mesma doença). Ciente de que seus dias estão contados, em uma conversa confessional dramática e dolorosamente despojada, Mercúrio sugere que desta vez, em vez de viverem pelas leis dos outros, os dois manipulem a mídia e a sociedade, criem sua própria lenda. Seu pedido a Nureyev era que redigisse e mistificasse a correspondência entre eles, a ser publicada após sua morte. Porque não importa como você viveu, mas o que está escrito nos jornais sobre você.

A primeira coisa que chama a atenção nesta performance é a surpreendente semelhança visual dos atores com as pessoas reais que eles recriam. O segundo é seu jogo alado e dedicado. Svejen Mladenov (Freddy) conseguiu absorver o cansaço e a amarga sabedoria de um homem exposto durante toda a sua vida, vivendo duas vidas ao mesmo tempo – a que se espera dele e a que é sua. Sem cruzar a fronteira da vulgaridade e da profanação, Georgi Zlatarev fundiu-se completamente com a plasticidade, os maneirismos e a suposta essência de Nureyev.

A terceira coisa notável na performance é a responsabilidade do diretor Sunny Suninski pela peça (vimos suas performances muito mais sofisticadas mesmo em textos clássicos). Aqui ele está visivelmente controlado, determinado, cativado pelo assunto. A cenografia adequada de Nevyana Kavaldzhieva conseguiu dar volume (espacial e temporal) ao pequeno salão de “Revival”, para que os flashbacks da vida de Mercúrio se sobreponham ao momento presente de forma orgânica e juntos formem uma narrativa lógica e coerente. Um mérito adicional é a decisão de ter Freddy interpretado por dois atores (sua versão mais jovem, cabeça quente e ambiciosa é Anatoli Lazarov).

E por último mas não menos importante – a música de “Queen”, que invariavelmente acompanha esta mistificação bem-intencionada.

“O Corvo” é um dos dois textos finalistas do último concurso de drama de câmara contemporâneo do Teatro 199 “Slavka Slavova” em 2010. De acordo com o regulamento, a peça deveria ser encenada o mais tardar um ano após o anúncio do resultado, mas não apareceu até o início de 2013. É uma estreia de Kalina Popyaneva, mas é a única coisa em comum com a estreante anterior, que apareceu de forma repentina e brilhante no nosso cenário teatral, graças à competição – Yana Borisova (“A Brincadeira para quarto infantil”).

“The Raven” é um pequeno segmento da vida de um irmão e uma irmã: ele é deficiente, ela dedicou sua vida a ele porque se sente culpada por sua deficiência; ele, por sua vez, muitas vezes zomba da disposição dela de se sacrificar. (A semelhança do enredo com outro texto que participou mas não ganhou o concurso – “A Aranha” de Dimitar Dimitrov e Yordan Slaveykov – é óbvia, mas o psicológico fã das imagens, o limite da situação, o grau emocional no segundo um deles está muito mais saturado). Esse é o fim de tudo. A peça parece um trecho verdadeiramente aleatório que poderia muito bem ter começado em qualquer outro lugar e terminado onde quisesse. O texto continua girando e girando como um cachorro perseguindo o rabo. Apesar dos esforços bem-intencionados da diretora Bina Haralampieva, independentemente da atuação dedicada de Kalin Vrachanski e Teodora Duchovnikova, estas permanecem simplesmente falas lançadas uma após a outra. E a questão de por que, por causa deste texto, foi necessário dividir o prêmio entre ele e “O Colecionador”, de Radoslav Chichev, sem precedentes na história da premiação, permanece sem resposta.