Se alguém ainda está inclinado a gritar que nosso teatro ignora o drama búlgaro em geral e as novas peças em particular, então a última temporada tentou refutá-lo categoricamente. As estreias de 2012 não se baseiam apenas em textos já aceites como clássicos (“Sumatoha” de Radichkov, “Mr. Balkanski” de Georgi Danailov baseado em “Bai Ganyo” de Aleko Konstantinov), mas também apresentam pela primeira vez textos escritos literalmente antes de meses de obras. Isso se aplica tanto a cenários estaduais e municipais quanto a projetos independentes. Na edição deste ano do Festival de Teatro Livre, quatro de um total de 16 apresentações foram baseadas em novos textos búlgaros (predominantemente em prosa, como o romance “Álcool” de Kalin Terziyski e as histórias de Katya Atanasova em “Comer a Maçã”).

Por mais diferentes que sejam os novos textos escritos ou adaptados para o palco, uma tendência comum ainda pode ser traçada neles. O mais óbvio: todos já sentem repulsa pelos nossos infortúnios domésticos, absurdos políticos e esnobismo, do nosso aqui e agora, que foi o tema central da dramaturgia dos anos 90 do século XX. Temporada 2012/2013 “Salte!” (Teatro “Sofia”), “O Terapeuta” (Teatro Nacional) e “40 graus abaixo de zero” (“Sfumato”). No primeiro, fica evidente não tanto pelo enredo (uma história moderna com flashback da década de 1960) ou pelo tema (o encontro de um menino com seu primeiro amor), mas pela forma como são interpretados: um musical dinâmico com elementos de ficção. A autora Zdrava Kamenova centra a história em torno de um adolescente que pode ser encontrado em qualquer lugar nas ruas da Sofia de hoje: afastado de sua mãe divorciada e deprimida; preocupado com seu amigo viciado em computador, patologicamente acima do peso; buscando adrenalina em suas arriscadas incursões como grafiteiro e à espera de um grande amor. O que o diferencia dos seus pares é que através de um portal do tempo que encontra por acaso (a porta de um antiquário no centro de Sófia) pode ser transportado de volta a um momento específico da década de 1960 da sua cidade natal e regressar ao mundo moderno. vezes.

Em “Pule!” o passado é apresentado de forma ingênua, bastante esquemática e principalmente com clichês: através de detalhes domésticos e das imagens do destacamento e do bairro, que simbolizam o totalitarismo, por exemplo. Mas talvez seja assim que os adolescentes de hoje (a quem este musical se dirige principalmente) pudessem compreender mais claramente o significado da mudança. Para espectadores mais maduros, com memórias pessoais daquela época, a performance pode servir como uma ocasião para fazer um balanço: pesar a liberdade de hoje e a falta de liberdade de então, por mais relativas que ambas possam ser; perceber quão inacessíveis e impensáveis ​​eram as coisas que hoje consideramos certas.

O maior mérito do espetáculo é a forma adequada como se comunica com seu público. A música original de Martin Karov e a coreografia dinâmica de Ana Miteva tornam-no fresco, comunicativo e divertido. A cenografia multimídia (Nikola Nalbantov) cria a ilusão perfeita de saltos repentinos no tempo e no espaço e salva a performance da farsa, que muitas vezes mata boas ideias. A equipe predominantemente jovem de atores consegue infundir no musical a emoção e o ritmo de sua geração. Quase da mesma idade de seu personagem, Kalin Pacherazki, estudante do segundo ano do NATFIZ (no papel-título), é extremamente imediato com sua inexperiência no palco. Ele é autêntico a cada momento e dá ao espectador a impressão de que está realmente falando na primeira pessoa do singular. Cada detalhe de “Jump!” mostra que o diretor Kalin Angelov não é a figura dominante, mas parte de uma equipe de pessoas com ideias semelhantes e iguais no processo criativo.

Infelizmente, o encontro entre a autora do texto Elena Alexieva e o diretor Chris Sharkov em “O Terapeuta” não foi tão feliz. Mesmo ao nível da linguagem, é claro aqui que a força de Elena Aleksieva está na poesia (as coletâneas de poesia “Loop of the Heart” e “Face of an Executioner Angel”) e na prosa (a coletânea de contos “Reading Group 31”, os romances “O Cavaleiro, o Diabo e a Morte” e “Ela está aqui”), não em drama. O distinto escrúpulo literário do discurso, que é até desnecessariamente afetado em alguns lugares, dificulta a atuação dos atores e torna a atuação pouco comunicativa. A falta de habilidade dramatúrgica também é visível na própria construção do texto. A ideia é que os personagens (donos e seus animais de estimação, pacientes do psicoterapeuta canino Dr. Murt) sejam apresentados em três consecutivos, desenvolvendo-se em um círculo espiral ascendente. Um jovem casal, uma solteirona e um idoso solitário se revezam no consultório do terapeuta. No decorrer da consulta, fica claro que os pacientes do Dr. Murt são mais eles com seus dramas e psicoses do que seus animais de estimação. Na primeira rodada, o espectador é apresentado a eles; a segunda e a terceira rodadas devem desenvolver gradativamente o enredo e os personagens dos personagens até algum ponto significativo, mas isso não acontece na prática. O final – Dr. Murt e a solteirona, libertos da (pseudo)moralidade humana, do preconceito e dos acréscimos da civilização, uivam um para o outro em êxtase erótico – chega de repente.

A cenografia de Venelin Shurelov e os figurinos de Elitsa Georgieva situam esta história num ambiente futurista. Implica também um estilo de atuação mais distanciado (como foi o caso da performance “O Feio” de Yavor Gardev em Saratov, por exemplo). Mas mesmo que essa fosse a intenção original, quando chegou ao palco não sobrou nada dele. Na atuação dos atores, há um conflito total: o jogo de Vladimir Penev (Dr. Mort) é em certo ponto distante e contido, mas Marin Yanev (o solitário) é Stanislavski do começo ao fim. Os demais – Zhoreta Nikolova (a solteirona), Alexandra Vasileva e Tsvetan Alexiev (os recém-casados) – vagam entre o método da empatia e o absurdo.

O pássaro mais estranho entre esses três títulos é “40 graus abaixo de zero”, texto de coautoria de Dimitar Kabakov e do diretor da peça Stiliyan Petrov. Começou com a ideia de ser um amálgama de fatos reais da biografia do grande escultor norueguês Gustav Vigeland e ficções de Dimitar Kabakov sobre sua vida. No processo de trabalho, porém, o texto torna-se uma espécie de impressão poética, em que uma escultora, uma atriz e uma artista moderna, ligadas num triângulo amoroso, falam sobre Vigeland e sua obra. A impressão geral da performance é a de um curto interlúdio musical, cujo objetivo é conectar duas obras maiores. Não há enredo aqui (ou está de forma muito rudimentar), mas uma espécie de instantâneo. As figuras são mais porta-vozes da influência das esculturas de Vigeland do que personagens puros. Eles não têm história (apenas a trajetória de vida de uma escultura de triângulo amoroso é sugerida), não está claro de onde eles vêm ou para onde estão indo. A interação entre os atores (Hristo Bonin, Irmena Chichikova e Veselin Mishev) é levada ao mais alto tom histérico. O ambiente do palco (novamente obra de Venelin Shurelov) é totalmente documental: um grande retrato de Vigeland atua como o quarto ator na performance; fotos de estátuas do parque de esculturas que ele criou em Oslo são projetadas periodicamente na parede, incorporando os três atores em si.

Este projecto é também a tentativa mais categórica de romper com quaisquer interesses comerciais, de se libertar do lastro do regional e do doméstico. A partir daqui, o próximo passo talvez seja o drama búlgaro lidar com questões existenciais e filosóficas cada vez maiores. Faltam ainda as projeções do futuro do nosso mundo, como por exemplo nas peças dos autores espanhóis Sergi Belbel, Juan Mayorga e Jordi Galceran, aceites como geração não pela sua idade, mas pela orientação geral em que se encontram. olhar.